克劳德·莫奈作品赏析
克劳德·莫奈（ClaudeMonet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。他一生遗留500件素描，2000多幅油画及2700封信件。足迹由巴黎大街到地中海岸，从法国到伦敦、威尼斯、挪威，在各地旅行写生，留下无数的作品。
《草地上的午餐》
25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》（4.5×6米）。那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。今天我们所看到的这幅《草地上的午餐》，实际上是莫奈为了完成巨幅油画所创作的一幅“草稿”，但即使“草稿”，它仍然有1.3米高，1.8米宽。在这幅画中从题材和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。
1865年，莫奈初识卡美伊，请她做自己当时正在筹划的一幅巨型油画《草地上的午餐》中的模特。画面中左侧第一个侧身的女性就是以卡美伊为模特来绘制的。
这幅画是在户外完成的，因此和马奈的《草地上的午餐》比较，在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。
莫奈运用印象派的光影手法，描绘了草地上消闲的绅士淑女。画家以幽暗的树荫为背景，衬托着前景白布上的男人、女人及食品，体现了夏日消闲的假日午餐。后面的一对情侣正要起身离去，一片片绿叶在强烈的阳光照耀下，显得异常透亮，不仅点明夏天的炎热季节，也增添了画面的颜色。景物、人物都描绘得十分鲜明动人。外光的运用，给画面带来了色彩斑斓与清新爽朗的效果。
莫奈1865年的《草地上的午餐》，是向马奈1863年同名作致敬。他为了如实描绘光影效果，在地上挖了大坑，在坑内进行创作。本作虽然对人物有精确描绘，但真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸
日出·印象
日出·印象 法国 莫奈 布上油画 纵48×横63厘米 巴黎马蒙达博物馆藏
此画是莫奈描绘勒·阿弗尔港口的景象：海水在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块所渲染，水的波浪由厚薄、长短不一的笔触组成。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人与物依稀能够辨别，还能感到船似在摇曳缓进。远处的工厂烟囱、大船上的吊车……这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。莫奈以轻快而跳跃的笔触，表现出水光相映，烟波渺渺的印象。
莫奈画过许多水题材的画，最具世界声誉的是这幅描绘旭日初升、雾气迷蒙港口的画。画家所描绘的是勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨。经过晨雾折射过的红日，形成了一个感觉上的灰绿色的世界，这个世界是真实的，又是幻觉的，它每时每刻随着太阳光而变化着，画家运用神奇的画笔将这瞬间的印象永驻在画布上，使它成为永恒。这幅画于1874年4月15日第一届“独立派”画展中展出，遭到学院派的攻击,评论家们戏称这些画家们是“印象派”,印象派由此而得名。
莫奈热爱大自然，广袤的田野、潺潺的流水、变化无穷的天空都是他绘画对象。
睡莲 法国 莫奈 布上油画 纵89×横92厘米 丹佛美术馆藏
莫奈43 岁那年，他邂逅了一栋有着超大花园的乡村别墅。这座别墅，坐落在离巴黎大约45分钟的小镇——吉维尼Giverny，一个美好得令人窒息的地方。买下这栋房子后，莫奈根据妻子喜好开始装修。
自从买下了这个美丽的大宅子，这片小天地就成为了莫奈的全部世界。由于莫奈有日本浮世绘情节，于是他在自家花园建了这座「日本桥」，日本桥下，就是那一片梦幻的莲花池，蓝色的水绿色的叶粉色的花，透过水面的反射，呈现出不可思议的魔力。
在庭院里修了一个池塘，在池塘里繁殖了睡莲，成为他晚年描绘的主要对象。这幅《睡莲》是莫奈64岁时所作的早期小幅作品。
莫奈晚年最重要的一件作品是连作《睡莲》。这是一部宏伟史诗，是他一生中最辉煌灿烂的“第九交响乐”。1880年之后，莫奈与印象派的其他画家们疏远了，他在吉维尼造了一座小花园，住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来，这样产生了《睡莲》组画。沿着水面，美丽的睡莲一片片向湖面远处扩展开来，画家利用了树的倒影，衬托出花朵的层次，是十分有创造性的构思。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27 年里，他几乎再也没有离开过这个主题。
韦特伊莫奈花园
《穿日本和服的卡美伊·莫奈》
《穿日本和服的卡美伊》这幅作品，和莫奈以往甚至以后的诸多作品相比较，风格是独特乃至迥异的。莫奈的印象派风景画，以户外自然光线下的色彩变化为其主要追求效果，因此有人称其为“外光画派”，而这一幅《穿日本和服的卡美伊·莫奈》显然是在室内完成的，整幅画上可靠的光源，主要来自右侧的窗子，缺少以往户外直射的阳光。其二，一般来说，由于非直射光线的缘故，室内画的颜色更多偏向中性一些，而这一幅画的颜色却异常浓重、猛烈，说明这是画家要刻意追求的效果。第三，和莫奈以往不关注作品的细节处理不同，这幅画对人物、对衣服的花纹，甚至包括对背景中团扇上花纹等等细节的处理都很细致，这也和莫奈以往的风格也不相符合。第四，也是更重要的一点，这幅画所处理的异域风格主题，放在莫奈的整个作画传统中，都是比较突兀的。和服、日本团扇、折扇、榻榻米、浮世绘歌姬、能剧鬼脸等等日本元素，构成了这幅画主要的内容。
《撑阳伞的女子》
《撑阳伞的女子》是莫奈画于1886年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊，连五官和表情都看不见，但随着笔触堆叠的方向，可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879年，时年37岁，莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》，画中以忧郁的色调、纷乱的笔法，传达出失去爱妻的悲伤。但我总觉得，莫奈爱画胜过爱自己的女人。他曾经这样描述他作此画时的感受：“在我最亲爱的女人的病床前，我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡，寻找死亡带来的色彩，观察颜色的分布和层次变化我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时，他竟还能如此冷静地解构、分析。
冬天的国会大厦
英国议会大厦位于伦敦市中心区的泰晤士河畔，是19世纪中期英国最主要的哥特式建筑。
国会大厦在莫奈的笔下，彰显出一股神秘的精神力量。这个建筑群的造型在一致中显出错落，深度空间被忽略了，而完全变成了剪影，就是这剪影，在光、雾、水的作用下，如幽灵般变换着色彩……
从沼泽地观望厄普特河岸边的白杨树
莫奈视线中的情景是纯真而自然的，表达的是内心真实的感受；他笔下的物象的交融，体现了万物皆有灵气，即使一树一石亦不乏生气，一点一线皆可贯注人之生命运动。总之，画为心迹，莫奈追求的是一种本色美、自然美的艺术意境，是一种从欣赏美到认识美、最后超越美的境界。
《埃特尔塔的悬崖》
象鼻山西边的象鼻子（埃特尔塔的悬崖）
这幅画又名《埃特尔塔的悬崖》，艾特塔特石灰断崖矗立在诺曼底海岸上，因为其形象的高大奇特而被十八世纪的许多画家表现于画布之。在众多关于此景的油画作品中，以印象派画家莫奈的《埃特尔塔的悬崖》最为著名。
从构图上看，这是一个横幅作品，庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度，左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。悬崖因此显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。
从色彩塑造方法上看，画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。
画家选取了景物的背光面来表现景物，显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里，色彩丰富而厚重，笔法整飭而严谨，给人以凝重而沉积的感觉，欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下，日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃，充满激情，与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动，色彩丰富而富于美感。
花园里的女人们
《绿衣女子》的意外成功，使得年轻的莫奈雄心勃勃，决心绘制另外一幅大型油画《花园里的女子》（2.55×2.05米），在这幅画中，三位女子的形象都是以卡美伊为模特完成的。据说为了绘制这幅油画，莫奈在花园里挖了一条壕沟，将巨幅画板竖在壕沟里，然后自己站在壕沟的边沿上挥笔作画，足见规模浩大。不过可惜的是，莫奈的这幅画作并没有被当时的年度官方沙龙画展所采纳，其原因今天的我们实难理解。
1866年莫奈创作了《花园里的女人们》，这件作品是这个时期中最为重要的一件。创作是在租来的房子的庭院里进行的。由于画幅很大，为了便于挥笔，他在庭院中挖了一个地沟，把画布降了下去。画面上的4个女人，都由一位模特儿充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。这位模特儿就是1864—1865年与莫奈邂逅的卡美伊（后来的莫奈夫人）。
为了尽可能在相同的日照下作画，有时画家不得不停下来等待时机。为了突出四位美丽的浅色着装女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，的确是真实的再现。作品虽然相当的新颖，但未被1867年的沙龙选中。
“穿绿衣的女子（卡美伊）”是在画室里完成的人物画；“圣·热尔梅娜·欧泽华教堂”是在外光下画成的风景画。《花园里的女人们》一画把这两种观察方法结合起来了。这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。使他感兴趣的仅仅是平面和色彩对比而已。正因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放其光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰，草坪上的鲜花，突出在大片浓绿之中的叶子，从树叶的空隙之间透露出来的天空，穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。大片固有色起了过多的作用。所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
海滨公园打伞的女子(卡美伊)
这幅画构图偏上，左侧的小男孩与打伞的妇女形成了一个三角构图，起到平衡画面的作用。以绿，蓝，褐为主色调，色彩清新明快，人物的衣服颜色与背景统一，看不到明确的阴影与轮廓线，笔触大胆随意，裙摆与草的走向充满动感。
整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景，作者用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女，小孩，天空的空间关系，表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下，而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女人衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
莫奈比任何画家更着重于捕捉一瞬即逝的景象，并不注意物体本身的轮廓。他说：“光是画中的主角。”他又描述如何努力去画“空气的美……但这是不可能的.”莫奈毕生致力绘画那些不能画的东西，这幅画里天空中有浮云掠过，我们几乎可以感觉到那吹送浮云的微风。
1875年，这一幅画作，实际上是莫奈所有关于卡美伊的画作中最广为人知的一幅。当时的莫奈，大概也处在人生最“惬意”的时候，娇妻幼子，年富力强，事业虽算不上成功，但一直在朝着非常有希望的方向前行，生活虽然不富足，但是压力也没有很大，所以这一时期莫奈的画作无一例外都满是阳光、鲜花，生气和活力。事物的发展，似乎总喜欢和大家开开玩笑，今天，你的生活一帆风顺，你大概会觉得，也许能一直这样下去，可是突然间就有了变化，出现坎坷倒不说，痛苦的是有时候往往会一下子变得很惨。谁又能想到，画面中这位阳光灿烂的年轻女子，仅仅四年后，会突然因为疾病失掉了生命，命运就是喜欢这样折磨人。所以说，作为芸芸众生中最微不足道的一个，我们每个人或者都应该更多一些忧患意识，当你觉得幸福、甚至平淡的时候，多想想人生中可能会出现的坎坷与不幸，也许你对当下的幸福感受就会更深一些。说是这样说，可谁又真能当着春天的迷醉时，想得起及时挪走梯子，从而把春风留在人生的房顶呢？
冬季早晨时的干草堆
印象派认为真实是转瞬即逝的视觉印象,冲破了以往的绘画成见,直接用色彩来表达视觉。《干草堆》用的就是莫奈所擅长的纯色色点并置的技术，使观者获得色彩混合和震荡的独特的视觉感受.《干草堆》是莫奈的主题绘画系列之一，它记录了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化.印象派画家强调瞬间的视觉印象,其绘画表现的是一瞥的印象,一反以往那种追求精确逼真的绘画观念。倘若想在印象派绘画中寻找逼真的一面,那么就要远看。但印象派绘画吸引人的正是它的朦胧和色彩变化的微妙。干草堆，它的光影效果做的非常漂亮，实际上它是一个色彩印象，乍看上去，这仿佛是一个五岁小孩儿的信笔涂鸦。没有细部.不代表那真的是涂鸦！莫奈不只满足于能够画他所看到的事物和按照他所看见的那种方式来做画；他想要创造一种独特的效果，达到一种在绘画上似乎是不可能达到的目的。
其实《干草堆》这一主题早在1888年时就已被想到。这种景物只有秋季才有。于是他从秋天一直画到翌年初春，不断观察其光的变化。前后一共画了24幅。既有单幅的，也有成组的。角度也都不同，表现在不同时辰和不同光线的变化下的草垛形象。画面看似单调，面对几堆干草堆，画家却产生了深厚的色彩感情。开始他以为用两块画布去画这堆干草堆就可以了，一块阴天用，一块晴天用。可是，由于光线在草垛上不断变化，他不得不一次又一次地回家取新的画布。他之所以如此热中于这个物体上的光的变化，用他自己的话来说，是要记录“某一特定自然景色的真实印象，而不是出去描绘一幅笼统性的风景画。“从莫奈画《干草堆》，看出了印象派画家的整个作画灵感的源泉，即光色的变幻激发了他的艺术热情。他曾对友人写信说：“太阳落下得那么快，我追不上它。”
这幅画的主角不是山，不是田野，甚至不是干草堆，而是那些灿烂明亮的光芒。作为印象派创始人的克洛德-莫奈，特别喜欢画光，甚至是终其一生都在找体现光之美、空气之美的方法。莫奈比任何画家都喜欢捕捉一瞬即逝的景象，然后用神奇的画笔记载下来。就像这幅画《干草堆》。在阳光照射过来的那一刹那，天、山、屋、草垛都是什么样的？默奈通过自己细致地观察，画下的这些物体的变化。他并不注意物体本身的轮廓，因为光是主角。
威尼斯大运河
这是莫奈发挥印象派技法表现水城威尼斯梦幻迷朦流光倒影的经典之作。
海浪
莫奈表现法国海岸浪潮波涛的层叠翻滚和变换，色彩和动感强烈，同时和上空漂浮的云彩形成了“浓妆淡抹”和“动静结合”的对比。
圣拉扎尔火车站
绘于1877年的“圣拉扎尔火车站”是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。
每一个研究莫奈创作活动发展的人都会发现，如果说最初的命运促成了莫奈的发展趋势，那么后来就是他自己创造了他的命运。之所以莫奈成为“印象主义”风格奠基人、被他的朋友公认为“班首”，是因为莫奈不可动摇的坚强意志。从所周知，印象主义意味着感觉和观察方式的变革，它不仅改变了绘画，而且改变了雕塑、音乐、文学，就是到了今天，它也没有失去影响力，仍然改变着我们。
日本桥
一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深、更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的画。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形的画，其中十来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。