9幅世界名画欣赏
1. 《The Red） Boy 》（红衣男孩）又名《Portrait of Charles William Lambton》（查尔斯·威廉·兰姆顿肖像）
作者：Thomas Lawrence（托马斯·劳伦斯）
年代：1825年
材质：布面油画
尺寸：137cm×112cm
收藏：英国伦敦 National Gallery（国家美术馆）
这幅画是Thomas Lawrence（托马斯·劳伦斯）的代表作之一，画中的红衣男孩是查尔斯·威廉·兰姆顿（Charles William Lambton），他的父亲达勒姆公爵一世委托劳伦斯所画，这幅画以细腻的笔触描绘了儿童纯真的表情和姿态，小查尔斯·兰姆顿身旁的花朵象征着他的青春，不幸的是他1831年死于肺结核，年仅13岁。这幅画是公认的杰作之一，长期以来深受喜爱。它是第一幅登上英国邮票的绘画作品，其邮票于1967年发行。
画中的“红衣男孩”坐在海边的岩石上，月光洒下，照亮了男孩清秀的面庞和质地高级的红天鹅绒套装，他清澈明亮的双眼凝视着远方，衣物上的蕾丝松散敞开露出了男孩粉嫩到近乎透明的皮肤，脸上泛着些许似乎与年纪不符的悲伤格外惹人恋爱，引得展馆内的观众纷纷驻足，既惊叹于小男孩精致的五官，也在疑惑画中的他在想什么...
整个画面以红色调为主，男孩、岩石、月光下的大海...都被细腻的笔触融为一体，男孩身边的花束也象征着他花一般的青春
Sir Thomas Lawrence托马斯·劳伦斯爵士（1769–1830）
这幅象征“童年”的经典画作
2. 梵高《Long Grass with Butterflies》（长草地与蝴蝶）
作者：Vincent Willem van Gogh
在这幅作品中，梵高细致地描绘了一片草地和杂草，几只白色的蝴蝶正在草地上盘旋，画面上方是一条通向远方的小径，给人以无限遐想。梵高将浓墨重彩的笔触在不同方向上彼此叠加，呈现出一片丰富多彩，栩栩如生的动态，他调和了绿色、黄色、赭色和白色，又点缀蓝色、丁香色以及紫色来描绘草地丰富的色调。
3. 桑索费莱托《The Virgin in Prayer》（祈祷的圣母）
作者：Giovanni Battista Salvida Sassoferrato
年代：1640-1650年
尺寸：107×78厘米
收藏：英国国家美术馆藏
《祈祷的圣母》是意大利巴洛克晚期画家桑索费·菜托最具代表性的圣母主题绘画之一，以圣洁、平静与温柔著称，广受世人喜爱。画面描绘圣母低垂双眼，双手合十于胸前，面容安详、神情虔诚，展现出母性、信仰与纯洁的象征。
作品背景为深色调，突出圣母蓝色披风与白色头巾的光洁质感，使人物仿佛从幽暗中被神圣之光照亮，营造出安静肃穆的氛围。菜托运用了极为细腻的笔触与柔和的明暗对比，赋予画面静谧而崇高的宗教情感，体现出他深受拉斐尔影响下对圣母形象理想化的追求。
《祈祷的圣母》不仅体现了17世纪天主教反宗教改革时期对圣母崇拜的艺术表达，也因其纯净优雅的风格在欧洲各国广泛流传，被复制无数次，是圣母肖像画中最具代表性和感染力的作品之一。
画中的圣母玛利亚宛如一位下凡的仙子，散发着柔和而圣洁的光芒。她微微侧身而坐，身姿优雅，头部微微低下，双眼轻闭，双手虔诚地合十于胸前，仿佛正在与上帝进行着一场无声却深刻的对话。她的面庞圆润而柔和，肌肤细腻如丝，透露着一种超越尘世的纯净与安宁。那微微蹙起的眉头，似乎蕴含着对世间苦难的悲悯，又像是在为信徒们默默祈祷。她的嘴唇轻轻抿起，线条柔美而坚定，仿佛在诉说着无尽的慈爱与关怀。
圣母身上的服饰更是画家精心描绘的重点。她身披一袭深蓝色的长袍，那深邃而浓郁的蓝色，宛如夜空般神秘而浩瀚，象征着圣母的崇高与神圣。这种蓝色并非普通的颜料所能调配，而是使用了当时极为珍贵的群青颜料。群青颜料由青金石研磨而成，而青金石主要产自阿富汗地区，物以稀为贵，其价值甚至超过了黄金。在那个时代，只有接到酬金丰厚的订单时，艺术家们才有可能使用群青来绘制作品。萨索费拉托用这种珍贵的颜料来描绘圣母的长袍，足见他对这幅作品的重视以及对圣母的崇敬之情。长袍的褶皱自然流畅，随着圣母的动作和姿态起伏变化，仿佛被赋予了生命一般。这些褶皱不仅增强了画面的立体感和层次感，还通过光影的变化，营造出一种柔和而温暖的氛围，让人感受到圣母的慈爱与关怀。
画作的背景简洁而宁静，一片柔和的棕色调，既没有过多的装饰，也没有复杂的场景，只是在圣母的身后，隐约可见一道淡淡的光影，仿佛是来自天堂的光辉，将圣母笼罩其中，使其更加熠熠生辉。这种简洁的背景处理，不仅突出了圣母这一主体形象，还营造出一种空灵而神圣的氛围，让观者的注意力完全集中在圣母的身上，感受到她的虔诚与慈爱。
在光影效果的运用上，萨索费拉托展现出了高超的技艺。光线从画面的左上角斜射下来，照亮了圣母的面部、双手以及胸前的围巾，使这些部分成为画面的视觉中心。而圣母的身体和长袍则处于相对较暗的阴影之中，这种明暗对比的处理，不仅增强了画面的立体感和层次感，还营造出一种强烈的空间感，让观者仿佛能够感受到圣母就坐在自己的面前。同时，光线的柔和过渡，也使得画面整体呈现出一种和谐而温暖的氛围，让人感受到圣母的慈爱与关怀如同阳光一般，洒在每一个观者的心中。
在色彩运用方面，这幅画以蓝色、白色和棕色为主色调，色彩搭配简洁而和谐。蓝色的深沉、白色的纯洁和棕色的温暖相互映衬，营造出一种庄重而神圣的氛围。这种色彩的选择和搭配，不仅符合宗教题材绘画的特点，也体现了萨索费拉托独特的艺术风格。他善于运用色彩来表达情感和意境，通过色彩的对比和协调，使画面具有强烈的艺术感染力。
4. 卡拉瓦乔《Boy with A Basket Of Fruit》（捧果篮的男孩）
作者：Michelangelo Merisi Da Caravaggio（米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔）
年代：约绘于1593－1595年
尺寸：70×67厘米
收藏：意大利罗马的博尔盖塞美术馆(Galleria Borghese)
这幅画描绘了卡拉瓦乔刚从米兰来到罗马，在艺术界崭露头角时的场景。模特是他的朋友马里奥·明尼蒂，一位大约16岁的西西里画家。这幅画在1607年被红衣主教希皮奥内·博尔盖塞收藏。
卡拉瓦乔偏爱表现男孩，因为他认为男孩充满活力、顽皮，是冲破旧世俗观念的新力量。《捧水果篮的男孩》就是这样的例子，画面中的男孩捧着水果篮，预示着即将老去的年轻美貌。
与文艺复兴风格的稳定和静止相比，卡拉瓦乔的画风带来了动感和激情。画面中的对角线和斜线在文艺复兴作品中是不可想象的。卡拉瓦乔对光的处理，营造出戏剧化的气氛，增加了画面的视觉效果。他通过明暗对比来突出物体的三维立体感，这种明暗对照法对巴洛克艺术影响深远。
卡拉瓦乔曾认真研究达芬奇的实践和理论，后者喜欢表现类似地下室的光线，但卡拉瓦乔发现通过明暗之间的对比，能够凸显出物体的体积感和立体效果，同时也增加了画面的动感。这种明暗对照法是卡拉瓦乔重要的艺术成果，对巴洛克艺术影响深远。
意大利博尔盖塞美术馆位于罗马的博尔盖塞别墅。美术馆主要收藏意大利文艺复兴和巴洛克绘画。美术馆的建筑在历史上曾是博尔盖塞家族的住所，于1613年开始施工，1620年完工。1903年之后，这里成为意大利的国立美术馆，以收藏世界上数量最多的卡拉瓦乔作品以及大量贝尼尼雕塑闻名。20世纪末，意大利政府对美术馆进行了全面的修复，并于1997年重新开放。
5. 里贝拉《圣彼得获释》
博尔盖赛美术馆藏
6. 提香《Flora》（花神）
作者：Tiziano Vecellio（提香·韦切利奥）
年代：1515～1520年
尺寸：纵79.6厘米横63.5厘米
材质：布面油彩
收藏：意大利佛罗伦乌菲兹美术馆藏
这一幅《花神》布面油彩，神话画，盛期文艺复兴，是提香在1515～1520年间的杰作，意大利佛罗伦萨乌菲齐画廊藏。描绘了手持花束的威尼斯美人，被誉为文艺复兴艺术中表现女性美的理想作品。
弗罗拉(即“花神”)是意大利远古时所崇拜的司花女神，她 不属于希腊神话，但在罗马神话中却是青春的象征。画家在这里创造性地把她描绘成一个庄重妩媚的民间少女形象， 她身上的外套刚滑落，手上还捏紧衣服的一角，露出了洁白的古罗马式内衣 。她神情典雅，肉体丰满，这种女性美 带有牧歌式的情调。女神垂着头，表现出沉思的样子。
7. 波提切利《Adoration of the Magi》（三博士朝圣）
作者：Sandro Botticelli(波提切利) （ 1445年3月1日 - 1510年5月17日 ）
国籍：意大利
年代：约1475年
